Frontiere e interessi politici ci fanno dimenticare di come i limiti tra una tradizione e l'altra spesso siano separati solo da una linea nebulosa impossibile da sostenere in maniera evidente attraverso le metodiche della musicologia. Attraverso le note del loro secondo disco ''Entre Tierras'' (TempsRecord, 2012) [yuhuu!] il collettivo Coetus ci tiene a aprecisare come ''dall'inizio dei tempi le persone, e con loro la musica, hanno viaggiato da un luogo all'altro incrociandosi e influenzandozi reciprocamente. Da questi movimenti si generarono melodie, parole e ritmi che perdurarono nei secoli trasformandosi in tradizione. Culture e tradizioni sono il frutto di tutte queste interazioni e legami''. Con questo solido principio l' Orquesta de Percusión IbéricaCoetus formata da dieci membri, quasi tutti giovani, virtuosi e appassionati, riuniti in quel di Barcellona sotto la direzione di Aleix Tobías (che fondò il progetto nel 2009) e con la partecipazione del maestro Eliseo Parra (e di numerosi altri ospiti tra cui Sílvia Pérez Cruz, Iñaki Plaza, Ion Garmendia, Xavi Lozano e Guillem Aguilar) continua a proporci un repertorio tradizionale variegato in quanto a provenienza: A Coruña, Peñaparda, Xàbia, Castilla, Valencia, Canarias, Huelva, Mallorca, Sanabria, Madrid... Pezzi che acquistano nuova vita anche attraverso multipli strumenti a percussione, molti dei quali ormai quasi completamente sconosciuti, che nel corso della storia servivano per accompagnare balli, canzoni, romanze o semplicemente per scandire il tempo nelle processioni e che venivano suonati per lo più separatamente: dal pandero cuadrado (Peñaparda e León) all' adufes portoghese, dal tamburello basco e asturiano alla xilomba, dalle cañas rocieras alle almireces... L'esperimento di Coetus consiste nell'unione/interazione di questi strumenti, dotati di un linguaggio proprio di ispirazione tradizionale, attraverso un dialogo attivo con la voce. Obiettivo perfettamente reggiunto, direi.
01 - CAMARON DE LA ISLA:Quisiera Volverme Pulga (Tangos) (San Fernando, 1950 – Badalona, 1992) 02 - CURRO LUCENA:Navegando Me Perdi (Rondeñas) (Francisco de Paula Luna Navarro: Lucena, 1950) 03 - DIEGO CLAVEL: Me Alumbra La Madruga (Alegrias) (Diego Andrade Martagón: Puebla de Cazalla, Sevilla, 1946) 04 - JUANITO VILLAR:Quejios Senti (Seguiriyas) (Juan José Villar Jiménez: Cádiz, 1947) 05 - PEPE DE CAMPILLOS:Malaga De Mi Querer (Malagueña) (Jose Maldonado Luque: Campillos, Málaga, 1949) 06 - JOSELETE DE LINARES:Minero Jubilao (Tarantas De Linares) (José Heredia Heredia: Linares, Jaén, 1959) 07 - JOSE DE LA TOMASA:Chanili La De Triana (Tangos) (José Georgio Soto: Sevilla, 1951) 08 - MANUEL AGUJETAS:Te Tienes Que Volver Loca (Soleares) (Manuel de los Santos Pastor: Rota, Cádiz, 1939) 09 - MARIANA CORNEJO:Cosas Que Pasan (Garrotin) (Mariana Cornejo Sánchez: Cadiz, 1947) 10 - LA MACANITA: Que No Se Rompa La Noche (Bulerias) (Tomasa Guerrero Carrasco: Jerez, 1968) 11 - CARMEN LINARES:Aquel Que Tenga Un Sentir (Buleria) (Carmen Pacheco Rodríguez: Linares, Jaén, 1951) 12 - LOLE: Bulerias del Alcazar (Bulerias) (Dolores Montoya Rodríguez: Sevilla, 1954) 13 -JOSE MENESE:Tocan A Leva (Caracoles) (José Meneses Scott: La Puebla de Cazalla, Sevilla, 1942) 14 - PLACIDO GONZALEZ:Fandango De Calaña (Fandangos) (Plácido González Saguero: Alosno, Huelva, 1949) 15 - JOSE MERCE: Arroyito De Agua Clara (Bulerias) (José Soto Soto: Jerez de la Frontera, 1955) 16 - JUANA LA DEL REVUELO:Sevilla Es De Chocolate (Tangos) (Juana Silva Esteban: Sevilla, 1952) 17 - MANUEL MORENO MAYA ''EL PELE'':Avante Claro (Alegrias) (Manuel Moreno Maya: Córdoba, 1954)
01 -I FIGLI DI ROCCO:Le Tarante di Giovanni Avantaggiato da ''E Lassatila Ballare'' (Autoproduzione,?) 02 -I BRIGANTI DI TERRA D'OTRANTO:Pizzicarella da ''Tirajentu'' (Maffucci Music, 2007) 03 -ENZA PAGLIARA: Pizzica di Torchiarolo - da ''Frunte De Luna'' (Anima Mundi, 2009) 04 - LUCILLA GALEAZZI:Notte Scura (Tarantella da ''Stagioni'' (Buda Musique, 2005) 05 - ALLA BUA: A Furtuna da ''Alla Bua'' (Ethnosphere Entertainment, 2002) 06 - UARAGNIAUN:Diavule Diavule da ''Uailì'' (Officina-Piazza Records, 1996) 07 - NIURI TE SULE:Tarantella Del Gargano da ''Enties'' (Autoproduzione, 2003) 08 - MARIO SALVI:Tarantella di Sannicandro da ''Taranteria'' (Finis Terre Records, 2004) 09 - CANZONIERE G. SALENTINO: Tarantella Frigia da ''Serenata'' (Salento Altra Musica, 2002) 10 - ZIMBARIA: Sei Menu Nu Quartu da ''Baciu 'Nvelenatu'' (Maffucci Music, 2007) 11 - ALLA BUA: A Punente A Punente da ''Limano'' (Ethnosphere Records, 2004) 12 - UARAGNIAUN:Uè Figghia Figghia da ''Skuarajazz'' (Dunya Records, 2000) 13 - I SCIANARI:Pizzica di S.Vito da ''La Musica Te Li Scianari'' (Europlay, 2008) 14 -NIURI TE SULE:Com'aggiu Fare da ''Enties'' (Autoprodotto, 2003) 15 - ARAMIRE': Fermate Femate da ''Mazzate Pesanti'' (Edizioni Aramirè, 2004) 16 -ZOE' (OFFICINA ZOE'):Pizzica Tarantata da ''Terra'' [1995] (Anima Mundi, 2005) 17 -ZIMBARIA: Baciu 'Nvelenatu da ''Baciu 'Nvelenatu'' (Maffucci Music, 2007) 18 - ENZA PAGLIARA:Aquila Bella da ''Frunte De Luna'' (Anima Mundi Records, 2009)
Allievo del grande Munir Bashir, l'iracheno Naseer Shamma è considerato uno dei più importanti suonatori di oud contemporanei. Massimo esponente della Moderna Scuola di Baghdād (ma anche maestro presso l’Arab Oud House del Cairo, in Egitto) Shamma sviluppa la tradizione del suo paese apportandovi particolari innovazioni tecniche e stilistiche in un mirabile equilibrio fra composizione e improvvisazione, conservazione ed innovazione, valorizazzione dei ''maquam'' (i modi della musica araba) e ''taqsim'' (cioè l'elaborazione dei modi stessi). Shamma è l'unico compositore e musicista moderno ad aver costruito un uod di otto corde (al posto delle sei classiche) che suona attraverso un uso particolare delle dita della mano destra. Ma si tratta pur sempre di tecniche al servizio di un ispirazione profonda che restituiscono al suo strumento un ruolo di interprete della tradizione . Non a caso Shamma è anche conosciuto come ''il giovane Ziryab''.
Musicista e poeta oltre che esperto e raffinato gastronomo, Ziryab (in arabo: زرياب), il cui vero nome era in realtà Abū l-Hasan ʿAlī b.Nāfiʿ (Iraq, 789 - Cordova, 857) è ritenuto il più grande innovatore dell'oud. Costretto a fuggire dalla sua Baghdād a causa dell'invidia di alcuni maestri di corte che non riconoscevano le sue idee progressiste, dopo una fermata a Tunisi, Ziryab si stabilì definitivamente in Andalusia, in particolare a Cordoba dove fondò una scuola di musica la cui tradizione e importanza pare sia adirittura all'origine del flamenco. Tra le sue maggiori innovazioni l'uso di una penna d'aquila come plettro e l'aggiunta della quinta corda (simbolo dell'anima) alle quattro corde già esistenti e corrispondenti ad altrettanti colori e stati d'animo: il giallo, il rosso, il bianco, il nero, partendo dalla più acuta per arrivare progressivamente alla più grave. Insomma se oggi l'oud viene considerato uno strumento chiave, ponte fra le culture del mediterraneo e simbolo di profonde tradizioni, dalla Turchia alla musica arabo-andalusa, dal medio-oriente al Marocco, lo dobbiamo in buona parte anche all'influenza esercitata da questo importantissimo personaggio del IX secolo.
Ed è proprio nel solco di quella tradizione e sotto la stella di Ziryab che sono stati concepiti i sette splendidi arabeschi di ''Viaje de las Almas (Travelling Souls)'' [si può recuperare via uabab]. Ma in questo caso Shamma va ancora oltre proponendo un' insolita rilettura delle sue composizioni in un dialogo stetto tra la tradizione millenaria del suo oud e quella altrettanto nobile e antica del sitar e della tabla, rispettivamente nelle magiche mani dei due virtuosi pachistani Ashraf Sharif Khan e Shabbaz Hussain. Il disco, registrato a Madrid sotto l'attenta direzione di Eduardo Paniagua (musicista, produttore, editore e proprietario della Pneuma che ha pubblicato il lavoro nel 2011) è un inno alla bellezza, la trasformazione del gusto rivolto alla ricchezza delle proprie origini, ma anche al trionfo dell'interplay cosmico con le tinteggiature al limite dell'improvvisazione. Meraviglia.
La posizione strategica della Sicilia, nel bel mezzo del Mediterraneo, per secoli l'ha trasformata in terra di conquista. Per quasi trecento anni, dall'827 al 1091, l'isola è stata soggetta alla dominazione degli arabi. E se ne possono ancora trovare delle traccie nella sua cultura e nella sua musica. ''Siqiliah, Terra d'Islam'' (Compagnia Nuove Indye, 2007) [quì] è il secondo di una trilogia in cui l'ensemble Milagro Acustico mette in musica poesie arabe di quel periodo, con le composizioni di Bob Salmieri, leader del gruppo fondato a Roma nel 1995. I sette elementi dell'ensemble, anche grazie al loro talento eclettico, mescolano strumenti della tradizione occidentale e di quella orientale. L'album è di ottimo livello, sia per quanto riguarda le registrazioni sia dal punto di vista filologico e musicale.Si tratta, inoltre, di un raffinatissimo esempio di fusione tra la cultura italiana e quella araba, che nell'attuale scenario politico e sociale assume una rilevanza particolare.
Francese di origine catalana, Renaud Garcia-Fons non si accontenta di essere uno dei migliori contrabbassisti della sua generazione e nemmeno di aver spinto i confini della creatività fino ad aggiungere una quinta corda al suo strumento per aumentare la gamma di piaceri che riesce a dispensare. Dopo l'apprendistato con con il trombettista Roger Guérin, dopo aver arricchito con la sua musicalità l'Orchestre National De Jazzed essersi appassionato al flamenco, Garcia-Fons ha inventato un folklore sudista e (appunto) mediterraneo: ha mescolato l'Andalusia più disperata, gli schiocchi di dita dello swing statunitense e gli ondeggiamenti orientali. In questo sud immaginario ha riunito tante radici musicali, tenendole insieme in armonia tra sogno e ritmo. Non fa eccezzione il magnifico ''Méditerranées'' [quì via Uabab], il suo nono lavoro per l'etichetta tedesca Enja a cui arrivo forse un po' tardino, essendo l'album uscito lo scorso anno, ma che ha già saputo guadagnarsi una posizione nella personale top-ten del 2011.
Strumento per eccellenza della musica colta mediorentale, l'ud (عود, il liuto arabo) è anche un ponte fra le culture del mediterraneo e rimane un simbolo di profonde tradizioni, dalla Turchia alla musica arabo-andalusa, dal medio-oriente al Marocco. Insomma, in una geografia possibile la sola cosa certa è che si tratta di uno strumento la cui conflittualità etnica è pari allo zero, e ha segnato la tradizione sacra, ma anche profana, sia delle regioni arabe del Mashriq (dunque Egitto, Giordania, Libano, Siria, Iraq ecc) sia quelle del Maghreb (Marocco, Algeria, Tunisia, Libia). E in Europa? Beh, la Spagna, visti i nobili precedenti, le storie di califfati e conquiste, gode di una tradizione storica non certo minore. Per non parlare di Grecia e Turchia dove ci sono state molte diramazioni, ponti sul bosforo e carichi che partivano e trascinavano memorie e realtà. E quì si potrebbe adirittura ipotizzare la massiccia influenza del mondo arabo nella fondazione della musica colta di matrice occidentale. Ma questa sarebbe un'altra storia. E' invece fenomeno più recente, quello dell'allargamento dell'utilizzo dell'ud (ormai diventato oud) in Francia e nella nostra Penisola. In ogni caso, malgrado la veneranda età, l'oud ha trovato, non senza difficoltà, una sua sistemazione anche nelle diverse sfumature del mondo musicale occidentale, riscuotendo particolare interesse nell'ambito jazz, ovviamente dove questo incontra repertori tradizionali, ripensandoli e rivestendoli nell'area delle musiche improvvisate.
Munir Bachir nel 1937 all'età di sette anni.
Quasi un padre spirituale degli innovatori è Munir Bachir, iracheno scomparso nel 1997, considerato tra i primi, nell'era post-moderna ad aver sdoganato lo strumento. Maestro inquieto, è considerato il Ravi Shankar dell'oud proprio per la popolarità e il desiderio di esaltare i canoni della tradizione con la voglia di smuovere le acque ed andare oltre. Ma sono molti gli artisti che insieme alle rigide ortodossie della teoria e pratica musicale araba, hanno cercato nel corso degli ultimi anni di piegare il suono del liuto arabo alle differenti possibilità espressive con cui venivano a contatto: da Rabih Abou-Khalil a Anouar Brahem, da Munir Nurettin Beken a Said Chraibi da Hazma El-Din a Ahmed El Kalai, da Georges Kazazian a Naseer Shamma, dal DuoOud a Le Trio Joubran (di cui mi occuperò tra un attimo) passando per il palestinese Simon Shaheen di cui consiglio caldamente ''The Music Of Mohammed Abdel Wahab'' (Axiom, 1991) [potete farlo vostro quì] un lavoro prodotto da Bill Laswell in cui il suono di un qualsiasi villaggio palestinese viene riprodotto su coordinate geografiche 'altre' e allo stesso tempo, come si evince dal titolo, rende omaggio ad uno dei più grandi innovatori della musica egiziana, Mohammed Abdel Wahad.
Rimaniamo in Palestina concludendo questo breve post dedicato a questo fantastico strumento con un giovane virtuoso di Nazaret, Samir Joubran (classe 1973), figlio d'arte, che dopo essersi guadagnato un notevole seguito in tutto il mondo orientale, sta ora iniziando ad ottenere importanti riconoscimenti anche a livello globale. Samir, che è stato il primo musicista a ricevere una sovvenzione biennale (nel 2003-2004) dal Parlamento Internazionale degli Scrittori a Pontedera, da qualche tempo si è stabilito in Francia, dove sta sviluppando la propria carriera, portando la sua musica in tutto il continente e esibendosi con successo in trio (Le Trio Joubran, الثلاثي جبران) con i due fratelli minori: Wissam Joubran, (classe 1983), che nonostante l'età è anche uno straordinario liutaio (pare il primo del mondo arabo ad accedere al prestigioso Istituto Stradivari), e Adnan Joubran (del 1985), come il fratello maggiore entrambi grandi virtusi dello strumento nonchè eccellenti improvvisatori.
Nel recente ''AsFâr'' (World Village, 2011), l'ultimo lavoro in trio [può essere recuperato quì], più che alternarsi nel ruolo di grandi virtuosi dello strumento appoggiandosi e completandosi con i loro accordi velocissimi e complessi, i tre fratelli preferiscono dar vita ad universo unico e seduttivo, un suono eterogeneo e compatto in cui tutti i musicisti lavorano a favore della composizione e di una amalgama degna delle migliori formazioni jazz, facendo della maestria e dell'abilità strumentale il veicolo per ottenere la spontaneità da distillare in ognuno dei sette brani di questo magnifico album, alternando atmosfere meditative e improvvisazioni più vigorose, sostenute dalle percussioni di Yousef Hbeisch e, in qualche caso, dagli interventi vocali del tunisino Dhafer Youssef. Non fatevi ingannare dalla pessima copertina, questo è un gran bel disco.
Kabyle e Rom, Tony Gatlif è il cineasta che più di ogni altro ha raccontato la vita e la cultura itinerante degli zingari in un viaggio continuo, dall’ India alla Spagna. Nato ad Algeri nel 1848, sangue Rom e Berbero nelle vene, Michel Dahamani (conosciuto, appunto, come Tony Gatlif) all'inizio degli anni Sessanta condivide la sorte toccata al suo popolo costretto ad abbandonare il proprio paese. Dopo aver lasciato l’Algeria, si trasferisce a Parigi dove frequenta un corso d’arte drammatica. Nonostante la nuova residenza, Gatlif torna di continuo alle sue vere origini, la comunità zingara, nell' appassionata ricerca di se stesso. Privo di risorse economiche, dopo lunghi anni di disadattamento sociale ed esistenziale, che lo portano a saggiare più volte la triste realtà del carcere minorile, il giovane Gatlif riesce a recuperare la passione per il cinema, e la doppia origine rappresenta senz'altro una ricca fonte di ispirazione per il suo lavoro di artista prima ancora che di regista.
Tony Gatlif
Nel 1973 gira così il suo primo cortometraggio e nel 1975 arriva anche il primo lungometraggio, ''La Tête En Ruine''. Tre anni dopo segue ''La Terre Au Ventre'', che affronta il tema della guerra algerina vissuta da una madre francese d’Algeria con i suoi quattro figli, e via via una filmografia di livello mediamente più che buono, con opere caratterizzate da una sorta di nostalgia lirica; il grande anelito di libertà delle culture nomadi, con il loro stile di vita, le loro musiche e danze. Tutti elementi essenziali nel progetto poetico di Gatlif, in grado di esprimere al posto di molte parole, lo spirito vivo e la natura sensibile e sanguigna delle genti gitane. Lo spettatore è spesso costretto al viaggio, un viaggio in cui il luogo di arrivo diventa subito il luogo di una nuova partenza. Un 'transito' di cui Gatlif invita a scoprire le potenzialità.
Tra i suoi titoli brilla soprattutto "Latcho Drom" - che ottenne numerosi riconoscimenti festivalieri, tra i quali il premio Un Certain Regard a Cannes nel 1993 - magnifica opera "documentaria" che ripercorre la lunga rotta della musica nomade, dal nord-ovest dell' India attraverso le regioni della Turchia, dell' est europeo, del nord Africa e della Francia, sottolineando la coesione culturale delle varie espressioni musicali, fino ad approdare nella Spagna di un certo flamenco che conserva intatte le componenti spirituali della musica sufi, in una sorta di di continuità ideale con l'ineffabile canto d'oriente.
Consigliabili anche lo splendido ''Gadjo Dilo'' (Pardo d’Argento a Locarno nel 1997) e ''Exils'', premio per la miglior regia al Festival di Cannes nel 2004, con giuria presieduta da Quentin Tarantino. Se in tutti i film di Gatlif c'è una forte componente autobiografica nel caso di Exiles questa si fà ancora più evidente. Appartenendo infatti alla schiera di profughi che negli anni Sessanta furono costretti a lasciare l'Algeria ed abbandonare il proprio paese,come accennato poc'anzi, quarant'anni dopo il regista torna nella terra della sua infanzia, cercando di raccontare questa esperienza in un film che è una sorta di colorato road movie sulle tracce di due giovani protagonisti che lasciano Parigi alla volta di Algeri per riscoprire le proprie radici. Il loro è un viaggio sul filo della memoria, nel segno della musica e, soprattutto, del ritmo.
In tutti i suoi film Gatlif ha sempre dimostrato più che un occhio di riguardo per la parte musicale, e non è un caso che molti degli score delle pellicole abbiano la sua firma. In una delle prime scene di Exils il protagonista dichiara: ''la musica è la mia religione''; ed è seguendo questo credo che il ragazzo compie un percorso geografico e spirituale che da Occidente lo porta verso Oriente, dal pragmatismo europeo al misticismo sufi, dalla techno metropolitana di Parigi alla trance sufi di Algeri, passando attraverso il flamenco dell'Andalusia. Così il pulsare del rock che all'inizio esce dalle casse di un autoparlante si riflette poco a poco in una quasi naturale prosequzione, dalla scansione di un tergicristallo al picchiettare della pioggia, per poi confluire nell'energia ''cardiaca'' del flamenco, sia che venga riletto in chiave elettronica, sia che venga riproposto in versione tradizionale, per virare infine verso tonalità e suoni mediorientali in una progressiva ''spiritualizzazione'' che culmina nella scena di una cerimonia sufi.
La musica, il flamenco e i legami di sangue sono assoluti protagonisti anche in ''Vengo - Demone Flamenco'' magnifica pellicola del 2000 di cui tra poco mi occuperò e alla quale mi sento particolarmente affezzionato per vari motivi. Visto le questioni che hanno coinvolto i rom in Francia negli ultimi tempi mi sembra doveroso segnalare almeno (anche) l'ultimo ''Korkoro (Libertè)''. Se è vero che la pellicola è stata presentata anche a Roma al MedFilm Festival dello scorso anno - ricevendo tra l'altro la Menzione Speciale, uno dei due premi più importanti - sinceramente nutro qualche dubbio riguardo a una possibile distribuzione che lo porti (agevolmente) nelle sale dei nostri cinema. Naturalmente spero di sbagliarmi, perche io per primo non ho ancora avuto la possibilità di vederlo, anche se sò, avendone letto, che nel film viene narrata una vicenda che si ispira a una storia vera, in particolare quella di una famiglia rom arrivata in un villaggio rurale nella Francia sconvolta dalle leggi discriminatorie del governo di Vichy, con i nazisti che porteranno all'arresto e alla deportazione di circa trentamila rom francesi durante la seconda guerra mondiale e al tragico "genocidio fantasma" che costo' la vita a mezzo milione di rom e sinti in tutta Europa, internati e sterminati nei campi di concentramento insieme a ebrei, handicappati e omosessuali. Un film che però, come si diceva poc'anzi, allo stesso tempo esce dai confini storici per mettere in luce la difficile sorte che molti Rom subiscono ancora oggi.
VENGO: DEMONE FLAMENCO
''Vengo non è un film sul Flamenco, ma è il Flamenco stesso che diviene film''. ''Flamenco, demone della vita''. Definizione decisamente calzante, molteplicità di significati per una delle forme di espressione mentale e corporea tra le più intense. Flamenco, passione viscerale, canto e ballo che alterna momenti tragici a pura gioia di vivere. Musica struggente ed evocativa di oppressioni e persecuzioni. Danza che nasce dalla terra e dalla tragedia di un popolo in fuga. E proprio per realizzare l'immagine scolpita dentro i cuori del popolo zingaro di una patria che non c'è, i piedi tendono fortemente a restare attaccati alla terra, mentre la parte superiore del corpo si muove sinuosamente ad evocare il desiderio profondo di libertà. Terra arida, terra di colori e suoni fusi da molteplici tradizioni, Andalusia, centro energico del flamenco, patria gitana (Gitano: termine che sembra derivi dall' Egitto, dove il popolo in fuga dal Pakistan sostò a lungo prima di approdare in Spagna attraverso il Nord-Africa) voluta dal destino, madre del demone flamenco. Ecco un film che fà del flamenco una ragione di vita, ma anche di passione e di morte. Film che miscela sapientemente il folklore e la modernità. Scene tra Oriente e Andalusia aprono la storia, segnando sottilmente un confine impercettibile. Gatlif, zingaro arabo, ne trae emozioni purissime, restituendo il valore originario a quello che appare solo un ballo spettacolare agli occhi moderni. Una dedica completa, fatta di scene e musiche intense composte dallo stesso Gatlif.
Flamenco a cui ci si può accostare con animo interessato, ma che non può essere assimilato se non si crea quella commistione tra corpo, mente e memoria storica. Ricordo una scena del film australiano "Ballroom" in cui il giovane ballerino protagonista deve imparare una coreografia gitana. Riesce ad acquisire la tecnica alla perfezione, mancando tuttavia quell' ispirazione che gli sarà donata solo vivendo in sinbiosi con i gitani. Flamenco, demone della vita, dove le passioni esplodono nell'universo infinito dell'esistenza. Un dolore impossibile da sedare. La perdita straziante di una figlia innocente e un padre distrutto che si stordisce con l'alcool e con il flamenco. Un dolore bruciante che consuma l'anima. Forti contraddizioni, forti passioni di un Andalusia senza tempo. Alle tradizioni secolari si contrappongono immagini moderne fatte di strade asfaltate, auto lussuose, telefonini,discoteche, ma il demone è sempre in attesa. Una storia intrisa di sangue, di famiglie rivali che cercano vendetta reciproca. L'incredibile figura di un giovane portatore di handicap (Diego), nipote del nostro protagonista (Caco, interpretato magistralmente da Antonio Canales, grande ballerino di flamenco che in questa occasione recita solamente, senza muovere un passo di danza), che vive comunque le sue passioni, il suo entusiasmo, i suoi dolci ricordi per un amore puro che non si è mai spento, nonostante tutto. Il giovane Diego è l'anima nuova della tradizione e nessuna compassione desta in noi, come nella sua famiglia, nonostante l'handicapp. Diego è uno di loro, uno dei flamencos di famiglia che tutto ha da insegnare per il modo dolce e profondo di affrontare le cose. Lirici momenti di canto e musica comune come se il tempo si fosse fermato ad ogni frammento di vita vissuta. Tenero l'amore che lega lo zio Caco a Diego. Attenzioni e premure che contrastano con le pulsioni vendicative delle famiglie contrapposte in una guerra di sangue che ha coinvolto tempo prima proprio il padre di Diego, Mario. Mario è un gitano di nuovo in fuga dall' Andalusia verso il nord Africa, dove si rifugia, e da dove suole chiamare i parenti per ascoltare via telefono la musica del suo cuore. Ma ora proprio Diego è la vittima sacrificale della vendetta. Sangue per sangue. Caco sa che questo potrebbe essere il destino dell' amato nipote e si immola, in nome dell'amore, davanti alla famiglia nemica: "Darò fuoco al mondo!" esclama di fronte alla consapevolezza del rischio di morte del nipote. Momento di tragicità di altissimo livello. Il demone della vita lo accompagnerà fino alla fine. Con la lama conficcata nel fianco, in un atmosfera arida e solitaria, si trascina fino all'unico ''strumento flamenco'' che avrebbe potuto mai trovare in una zona così deserta; una macchina industriale che attivata produce suoni metallici con i pistoni, i martelli interni e le cinghie. Suoni metallici freddi, ma che rievocano la ritmica del flamenco, demone della vita che non esiste più.
Il film, presentato fuori concorso a Venezia nel 2000 (e che chiuse quell'edizione della mostra), scorre su una trama scarna utilizzata quasi per cucire i vari pezzi musicali, ma è comunque straordinario per intensità e drammaticità, riuscendo a trasmettere una poetica delicata che gioca magnificamente sui contrasti emozional-sentimentali: la rabbia e la tristezza per una figlia che non c'è più e l'amore tenero per un nipote che vive la sua esistenza più intensamente di altre persone, nonostante tutto. Gli attori (veramente straordinari) sono tutti non professionisti e musicisti esponenti della massima e pura tradizione del flamenco gitano della bassa Andalusia, che Gatlif ha prelevato dalla strada e portato sul set. Sue anche le musiche (come detto) peraltro assolutamente appropriate. Chapeau.
Da molto tempo volevo dedicare un post a questo fantastico musicista gaditano, che sicuramente meriterebbe maggiore notorietà anche tra i numerosi appassionati di viaggi musicali globali. Considerato come una sorta di paladino della trova andalusa con occhi ben puntati verso il colore di altre melodie di frontiera, Javier Ruibal de Flores Calero (El Puerto de Santa María, 1955) sorprese sin dal primo disco, al principio degli anni Ottanta, per la capacità di far convivere nelle sue canzoni arie flamenco, sonorità mediterranee e arabe, ma anche musica indiana, caraibica ecc; una produzione discografica concepita dall’ibridazione di diverse espressioni musicali all'insegna della multiculturalità, con leggera prevalenza per i toni arabo-andalusi, flamenco e jazz, conditi in alcuni casi anche da qualche spruzzatina rock e blues. Cultore di quella che è stata denominata música de autor, nelle sue canzoni Ruibal ha sempre dato molto spazio a temi di denuncia sociale,così come a piccole storie personali, narrate in modo da poter divertire o emozionare l’ascoltatore a seconda dei casi.
Nei testi si nota una certa influenza della poesia spagnola, in particolare quella della generazione del 1927 (da García Lorca al concittadino Rafael Alberti), ma anche quella di poeti più recenti, mentre nelle sue storie trovano spazio luoghi e personaggi di tutti i tipi, siano essi reali o immaginari, credibili o incredibili: dal più esotico dei giardini orientali allo sporco asfalto cittadino; da marinai erranti e ''sradicati'' a regine d'Africa ..e poi lune a Tangeri, rose azzurre, ballerine turche ... a fare da sfondo; tutti figli del villaggio globale ricreato dalla penna e dalla sensibilità di Ruibal. Personalmente credo che uno degli aspetti più affascinanti della sua musica stia proprio nell'innata capacità autoriale e interpretativa di Ruibal, costruita soprattutto intorno a storie di personaggi secondari, dove però a prevalere sono sempre eleganza e buon gusto, caratteristiche che non mancano nemmeno al raccomandabilissimo ''Sahara'' (Riverboat, 2003) [lo potete recuperare quì], scelto come disco-vetrina per questo post e come uno dei lavori di riferimento per chi volesse accingersi nell'esplorazione della trentennale avventura discografica del musicista gaditano, meritatamente insignito nel 2007 con la ''Medalla de Andalucía'', uno dei riconosimenti più prestigiosi della sua carriera.
C'è anche da precisare che però, nonostante i riconoscimenti e la stima che importanti colleghi nutrono nei suoi confronti, curiosamente Rubal non è profeta in patria, visto che (provincia di Cadice a parte), entro i confini nazionali non sembra godere (troppo) della notorietà che probabilmente si meriterebbe. Questo non ha certo impedito all’artista di essere frequentemente tra i protagonisti di prestigiose programmazioni nazionali e internazionali (festival, singoli concerti e quant'altro), dal Womad al Ronnie Scott di Londra, dal club Arta di Glasgow ai programmi della BBC. Dal lato personale, oltre ad aver avuto l'opportunità di scoprire ed apprezzare la musica di questo trovatore portuense - come gli piace definirsi - i lunghi periodi trascorsi al Puerto de Santa Maria e le numerosissime frequentazioni notturne nei locali della cittadina andalusa, mi hanno anche permesso di conoscere e stringere amicicia con suo figlio Javi (quì con la sorella Lucia), giovane batteristà che oltre a seguire progetti per conto proprio, suona nella band del padre, pronto a seguirlo nei suoi tour che, dal Giappone al Sud America, hanno condotto e conducono Ruibal in giro per il mondo, alla scoperta di luoghi esotici ed affascinanti in grado di (auto)alimentare ulteriori suggestioni da evocare attraverso le sue canzoni.
Le drammatiche notizie che giungono dall' altra parte del mare susseguendosi di ora in ora dovrebbero indurci a semplicissime riflessioni sui prospettici avvenimenti e su quelli che potrebbero essere i nuovi flussi migratori che inevitabilmente coinvolgeranno massicciamente (anche e soprattutto) le nostre splonde mediterranee, intensificando gli esodi degli ultimi giorni, mesi ed anni. Cosa fare allora? Come comportarsi in situazioni del genere? Certo le risposte non sono (e non possono essere) semplici e immediate, a maggior ragione quando si ha a che fare con governi nazionali (a dir poco) surreali che si prestano a baciamani ditattoriali (e quant'altro) e con amministrazioni europee assolutamente impreparate a gestire situazioni umanitarie di tale portata e/o sempre pronte a farne una questione di carattere economico. Quel che è certo è che l'Italia ha sempre trattato i suoi immigrati come una bomba sul punto di esplodere anzichè creare un sistema di integrazione per farli sentire a casa loro e magari trarre anche migliori profitti per il lavoro. Gli immigrati dovrebbero essere una fortuna immensa, un patrimonio invidiabile e non un limite o semplice ''carne da macello'' da sfruttare nel lavoro sommerso. Invece i governi italiani, cafoni e provinciali, non hanno mai saputo trattare lo ''straniero'' nel migliore dei modi e non hanno mai provato a gestire in maniera adeguata le situazioni di queste persone, facendo spesso del colore della pelle, della religione o quant'altro un motivo di attrito. E il nostro passato dove lo lasciamo? Cosa ci ha insegnato?: ''Eppure lo sapevamo anche noi, l'odore delle stive, l'amaro del partire. Lo sapevamo anche noi. E una lingua da disimparare, un'altra da imparare in fretta, prima della bicicletta. Lo sapevamo anche noi. E la nebbia di fiato alle vetrine, e il tiepido del pane, e l'onta di un rifiuto. Lo sapevamo anche noi, questo guardare muto'' ...
A sviscerare alcuni punti fondamentali che questo fenomeno presuppone (e torniamo alla musica) contribuì cinque anni fa anche un ispiratissimo Gianmaria Testa con un disco che per il momento può essere considerato (e non credo di sbaglaiarmi) la sua vetta discografica oltre che un lavoro sempre estremamente in linea con i tempi nei suoi contenuti: il magnifico concept ''Da Questa Parte Del Mare'' (Le Chant Du Monde, 2006). Undici gemme (raggiungibili quì) confezionate in modo elegante che parlano proprio di migrazioni moderne in maniera intelligente e intellettualmente onesta, dal punto vista dell'uomo che si trova da questa parte del mare, senza trita demagogia, riflettendo questa visione sulla controparte musicale e rifuggendo da facili esotismi world music; anzi, la direzione artistica affidata a Greg Cohen rende pienamente occidentale, ma di ampio respiro, la materia sonora, con il delinearsi ormai compiuto dell'impronta di Gianmaria Testa, lontano a questo punto dall'essere "un altro cantautore italiano", ormai padrone (e già oltre) dei mezzi che l'hanno accostato alla voce di un De Gregori o al crepuscolarismo jazzistico di Paolo Conte. Un disco dove al tessuto primigenio (la voce riccamente profonda e la chitarra di Gianmaria) si fondono partecipazioni strumentali intense tanto nelle strutture quanto negli assoli (dal clarinetto di Gabriele Mirabassi alle vibranti incursioni di Bill Frisell alla chitarra elettrica) e la multiformità espressiva supera l'autorefenzialità stessa del cantautorato italiano, modellandosi tuttavia in un'unitarietà che richiede attenti ascolti per rivelare, tra le ombre malinconiche che il tempo porta con se, tutta la sua ricchezza. Ricchezza strumentale, data dai colori dei molti musicisti a cui è stato dato spazio, ricchezza di sentimenti, dall'amore per chi si è lasciato indietro - "3/4" - al timore e all'amarezza dello sradicamento - "Seminatori di Grano", "Roc'' - al calore della vita che continua - "Al Mercato di Porta Palazzo" - anche tra fatiche e umiliazioni - "Ritals", "Miniera". Fino alla visione di casa - "La Nostra Città". Quel che sia, ma casa.
